К. С. Петров-Водкин

16 открыток. Цена 52 коп.
Издательство «Изобразительное искусство». Москва. 1978
Автор-составитель Н. Левинская.
Редактор О. Каширина.
Оформление Г. Нагорянского.
Тираж 35 000.
Московская типография № 5 Союзполиграфпрома

На обложке: Девушки на Волге. Фрагмент

К.С.Петров-Водкин. Купание красного коня. 1912

К.С.Петров-Водкин. Девушки на Волге. 1915

К.С.Петров-Водкин. Мать. 1915

К.С.Петров-Водкин. Утро. 1917

К.С.Петров-Водкин. Полдень. 1917

К.С.Петров-Водкин. Розовый натюрморт. 1918

К.С.Петров-Водкин. Селедка. 1918

К.С.Петров-Водкин. Автопортрет. 1918

К.С.Петров-Водкин. 1918 год в Петрограде. 1920

К.С.Петров-Водкин. Шах-и-Зинда. Самарканд. 1921

К.С.Петров-Водкин. Портрет А. А. Ахматовой. 1922

К.С.Петров-Водкин. После боя. 1923

К.С.Петров-Водкин. За самоваром. 1926

К.С.Петров-Водкин. Девушка у окна. 1928

К.С.Петров-Водкин. Яблоко и лимон. 1930

К.С.Петров-Водкин. 1919 год. Тревога. 1934

К. С. Петров-Водкин (1878 — 1939) принадлежит к числу наиболее выдающихся мастеров русского и советского искусства. Художник родился в небольшом приволжском городке Хвалынске в семье сапожника и на протяжении всего творческого пути сохранил неразрывную связь своих образов с волжской природой, ее безграничными просторами и с народной жизнью. Его первыми учителями в искусстве были местные художники-ремесленники, затем преподаватели классов живописи и рисунка в Самаре и Школы технического рисования барона Штиглица в Петербурге. В 1897 году Петров-Водкин поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, в котором проучился семь лет, последние годы — под руководством В. Серова и К. Коровина.

Самое знаменитое дореволюционное произведение Петрова-Водкина — «Купание красного коня» (1912). Содержание этой картины многогранно. В ней есть и возвышенный образ России, олицетворенной в огненном коне, и воплощение присущего человеку духовного начала, и мир природы, одновременно замкнутый и бесконечный. Соответственно обобщен и символичен живописный язык художника. Колорит картины основан на излюбленном мастером трехцветии, состоящем из красных, синих и желтых тонов, дополненных зелеными и охристыми. И цветовое решение и весь образный строй картины вызывают ассоциации с величавыми, праздничными и одухотворенными образами древнерусской живописи, с которой художник вплотную познакомился при создании этого произведения. Органичный сплав современности с классическими и древнерусскими традициями становится с этого времени неотъемлемой чертой всего его искусства.

В произведениях Петрова-Водкина 10-х годов преобладают образы женщин из народа, воплощающие национальный идеал красоты, духовность и жертвенную любовь к миру. Наиболее монументальные работы этого периода — «Девушки на Волге» (1915), «Утро» (1917), «Мать» (1915). В картине «Мать» нашла законченное выражение проходящая через все творчество Петрова-Водкина тема материнства. «С этого времени,— писал он о создании картины,— для меня возникает проблема обостренной бытовой характеристики и типажа». В этом полотне, как и в большинстве последующих произведений, художник изображает предметы при необычной точке зрения, благодаря чему образы, сохраняя монументальную устойчивость, приобретают черты динамизма, как бы приобщающие их к движению всей земли.

В картине «Полдень» (1917) мастер прибегает к другому, весьма распространенному в его искусстве приему — сферическому изображению земной поверхности, которое создает ощущение широты и «планетарности» пространства. При этом он совмещает в одном образе разновременные события и показывает как бы весь цикл крестьянской жизни.

Октябрьская революция обогащает творчество Петрова-Водкина новой проблематикой. Темы революции, города, гражданской войны приходят в его живопись; в трактовке этих тем наряду с философским обобщением проявляется новая для художника историческая направленность. В картине «1918 год в Петрограде» (1920) художник показал город со всеми приметами того времени и одновременно создал поднятый над обыденностью глубокий образ «петроградской мадонны». Атмосфера этого времени ощущается также в натюрморте «Селедка» (1918), воспроизводящем аскетический быт первых лет революции. Одно из центральных произведений Петрова-Водкина 20-х годов — «После боя» (1923) — посвящено героическим дням гражданской войны. Оно проникнуто революционным пафосом и воплощает, кроме того, вечную тему встречи человека со смертью. Само изображение смерти отодвинуто художником на задний план, в центре его внимания — погруженные в воспоминания красноармейцы. Их размышление о погибшем исполнено, как всегда у Петрова-Водкина, сосредоточенной и просветленной созерцательности.

В 30-х годах мастер снова возвращается к теме гражданской войны в картине «1919 год. Тревога» (1934). Несмотря на черты жанровости, характерные для всего позднего творчества художника, здесь есть и поэзия и монументальность. Между персонажами картины существует скрытая музыкально-ритмическая связь; тема тревоги как бы постепенно развивается от фигуры стоящего спиной мужчины к психологически напряженному образу обращенной к зрителю девочки.

В начале 20-х годов Петров-Водкин совершил путешествие в Среднюю Азию, творческим итогом которого была целая серия замечательных пейзажей, натюрмортов, портретов и жанровых композиций. Одним из самых сильных впечатлений художника стал самаркандский мавзолей Шах-и-Зинда. «Шах-и-Зиндой,— писал он,— я понял человеческое творчество Самаркандии... Переливы цвета в тончайших узорах орнаментики спорят с вечерним небом и не сдаются небу чистотой и звучностью гаммы...»

Большое место в искусстве Петрова-Водкина занимали портрет и натюрморт. Человеческое лицо было для художника «высшей на земле формой выражения». В своих портретах он стремился сочетать индивидуализацию с обобщением и передать прежде всего ощущение духовной жизни модели. Среди лучших его работ-«Автопортрет» (1918), полный энергии и динамизма, и известный портрет Анны Ахматовой (1922), в котором создан удивительный по красоте и цельности образ поэта и его музы.

Одухотворенный «портрет» вещей мастер создавал в своих многочисленных натюрмортах. В «Селедке», «Розовом натюрморте» (1918), «Яблоке и лимоне» (1930) нас пленяют праздничная красота колорита и ощущение особой ясности и простора композиции. Художник подчеркивает устойчивость и внутреннюю значительность всего изображенного и одновременно его сопричастность динамичным ритмам беспредельного внешнего мира.

В картине «За самоваром» (1926), как и в ряде других произведений Петрова-Водкина, человек и мир вещей существуют рядом. Замечательная красота натюрморта сочетается здесь с физической и духовной красотой человека, и прежде всего женского образа, который как бы являет в своей скульптурной законченности всю гармоническую полноту и загадочную глубину бытия.

До конца своей творческой жизни художник стремился к созданию образов возвышенных и поэтических, к совершенству пластической формы, к раскрытию таинственных законов бытия человека и природы. Именно эти качества и определяют его непреходящее значение в истории русского и советского искусства.

Н. Левинская